Sono uno che ricerca la verità e che non si accontenta di wikipedia.
Se dici che la verità non esiste, sbagli, perché ne hai già affermata una.
Se poi dici che la ricerca della verità non ti interessa, allora non te la prendere troppo quando qualcuno ti vuole ingannare.
Il PD, per qualche voto in più, è pronto a regalare il nostro suolo a gente straniera che non rispetta le nostre leggi, che tratta le donne come esseri inferiori, che spesso non manda i figli (futuri italiani?) a scuola, e che non vuole nemmeno imparare la nostra lingua, né tanto meno adattarsi al nostro modo di vivere.
Un suolo che i nostri padri hanno difeso con lacrime e sangue, che hanno reso abitabile con incredibili sacrifici, che ha dato vita a una cultura e a una civiltà odiata da questi ipotetici futuri "italiani".
In compenso il governo sfratta un' ultra-novantenne italiana dal suo suolo, non sa risistemare il suolo devastato dal terremoto in Centro Italia, e lascia in abbandono migliaia e migliaia di famiglie italiane che avrebbero bisogno di un suolo dove poter alloggiare.
Sono certo che il PD, continuando con questo mantra dello jus soli regalato a chiunque arrivi in Italia, avrà delle brutte sorprese.
Quello che pensa la vil plebe italiana (oltre il 60% è contraria), per questo governo non conta nulla; ma quando si andrà a votare, il PD troverà nelle urne qualche voto in meno...
Ieri è morto Alessandro Alessandroni (18 marzo 1925-26 marzo
2017).
Molti diranno: “Chi era costui?”
In effetti non era un
personaggio famoso per qualche straordinario motivo, se non quello di avere un “fischio”
perfetto.
Sì, un fischio. Suo è quello della trilogia dei film
western di Sergio Leone.
Alessandroni era anche un ottimo musicista, ma la sua specialità
era proprio il fischio.
In particolare mi piace ricordare il primo della serie: “Per un pugno di
dollari”.
Ogni volta che guardo questo film, oltre alla soddisfazione di
gustare un capolavoro, provo un sottile piacere per una piccola vittoria
personale.
Quando uscì il film, nel 1964, la critica
cinematografica dominata dai soliti intellettuali ideologizzati lo stroncò. Di
fronte al neorealismo italiano ancora in voga, oppure alla cinematografia
“impegnata” che stava dominando, questo western così rozzo e improbabile, e
senza valori sociali, oltretutto copiatura di un film di Kurosawa, sembrò
qualcosa di incomprensibile e da gettare al macero.
Io ne rimasi incantato. Non avevo mai visto né udito nulla
di simile in una sala cinematografica.
Anzitutto una musica affascinante, con il suono dello
scacciapensieri, le note della chitarra elettrica, addirittura il fischio, e
quella tromba svettante che disegnava una linea melodica appassionata e
drammatica al tempo stesso.
Poi un linguaggio ridotto ai minimi termini; una specie di
ermetismo plebeo. Alla fine del film si potevano ripetere tutte le battute,
alcune diventate subito proverbiali, a partire dal titolo. E si poteva
soprattutto “fischiare” anche noi il caratteristico motivo della colonna sonora.
Ovviamente fecero impressione soprattutto le incredibili
scene di violenza, portata in primo piano in tutta la sua crudeltà e sadismo;
una crudeltà mai vista prima in quella forma così esplicita, dal massacro di
Rio Bravo a quello dei Baxter, dal pestaggio bestiale del pistolero senza nome
(ma Joe), alle violenze sul suo amico locandiere.
Il tocco di femminilità, dato da Marisol (Marianne Koch), aggiungeva una
nota di grazia in quel mondo disumano.
Il duello finale raggiunge le vette dell’epica, non meno del
duello tra Ettore e Achille, o se vogliamo, di Odisseo contro i Proci.
L’astuzia di Joe contro la ferocia di Ramon, la forza
vendicatrice contro la prepotenza senza limiti, la giustizia contro il delitto.
Alla bellezza degli esametri di Omero corrisponde
adeguatamente la musica di Morricone.
La gente che usciva dalla sala aveva la mia medesima
impressione. Avevamo assistito non ad un film, ma ad un evento, mentre già
qualcuno fischiettava il motivo iniziale, quello di Alessandroni (ma allora si
pensava a un motivo realizzato con strumenti elettronici).
Oggi tutti esaltano Sergio Leone, Ennio Morricone,
Clint Eastwood (tutti illustri sconosciuti allora); oltre a Gian
Maria Volonté (che fu criticato per questa sua partecipazione
“disimpegnata”), il quale riesce a dare il meglio di sé proprio qui, con un
personaggio tanto odioso, quanto convincente.
Non solo il film ebbe un successo strepitoso, ma si rivelò
come un inizio di un nuovo genere, il western all’italiana; e molto di più
ancora. Il crudo realismo di Sergio Leone (come a suo tempo fece Caravaggio) è
divenuto un “topos” artistico nella filmografia. Dopo quel film il cinema ha
cambiato davvero vestito.
Non voglio dire che la violenza, per di più gratuita, vada
bene; anzi!
Voglio solo dire che da allora ogni aspetto della realtà,
anche il più crudo, è stato messo a tema.
Non sempre con la genialità di Sergio Leone.
Presento il primo brano che appare nel film, durante lo scorrere dei titoli di
testa: "Titoli",ovviamente di Ennio
Morrricone, con il motivo fischiato da Alessandro Alessandroni.
Lo presento dal disco tratto dalla colonna sonora. Chi non ha avuto tra le mani
questo disco, con questa mitica copertina, non può capire l'emozione che
provammo quando lo vedemmo.
E un omaggio a un “grande” musicista. Un fischio che non
muore più.
Mentre l'Italia batteva stasera la Spagna negli ottavi di finale di Coppa Europa, è venuto a mancare uno dei più grandi attori del nostro cinema: Bud Spencer, cioè Carlo Pedersoli. Aveva 86 anni.
Per quanto mi riguarda, i suoi film sono in assoluto tra i miei preferiti, sia in coppia con Terence Hill che da solo.
Anche soltanto la sua figura mi metteva di buonumore, e l'innumerevole serie dei suoi film è stata per me una fonte inesauribile di spassose risate. E di vera umanità.
Un attore che ha saputo far ridere senza mai cadere nel volgare, che ha battuto i "cattivi" non con le armi né a calci (come ha fatto oggi l'Italia con la Spagna), ma con le sue nude mani, autentiche armi improprie. Ma sempre a fin di bene.
Lo saluto con una clip del suo primo capolavoro: "Lo chiamavano Trinità", del 1970, il film che lo rese subito famoso.
Fantastica la colonna sonora di Franco Micalizzi.
"Mescal non dimentica!". (Terence Hill) "Lo credo bene".
La conquista dell’Oscar 2016 da parte di
Ennio Morricone per la miglior colonna sonora, nel film “The Hateful Eight”
diretto da Quentin Tarantino, non può essere passata sotto silenzio in questo
blog, che ama la bella musica e che ritiene Morricone un genio.
È il secondo Oscar per il Maestro delle colonne sonore; ma
il primo, del 2007, fu un doveroso, riconoscimento
alla carriera. Questo, di domenica scorsa, è invece riferito ad un film in concorso ed acquista un
significato di valore assoluto.
Mi piace aprire il mese di Marzo con questa bellissima
notizia (ci voleva una buona nuova dopo tante brutture) che fa onore all’Italia e soprattutto ad
un artista che, oltre ad essere entrato nella leggenda, è rimasto un vero uomo,
con i piedi per terra. Sono ben note le due doti di umiltà e di schiettezza.
Tanto per non smentirsi, ha detto che non considera la colonna
sonora che gli ha dato l’Oscar la sua migliore composizione (ed è vero, anche se
bellissima).
Ha dedicato la vittoria a sua moglie Maria, compagna di una
vita, sposata nel lontano 1956.
Del resto lui è del 1928 e questo Oscar è venuto a 87 anni.
Una freschezza d’inventiva che a quanto pare non si è affatto esaurita.
Non starò qui a ricordare quali siano le colonne sonore più
belle delle sue oltre 500. Non voglio
neppure ricordare che egli non è un “musicista per caso”, dal momento che si è
diplomato con Goffredo Petrassi.
Voglio solo ricordare un episodio (che ho già fatto
presente in un altro mio post) di cui vado particolarmente orgoglioso e che mi ha sempre fatto
diffidare dell’ “intellighentzia” dell’ “artisticamente corretto” (esiste anche
questo!).
Quando nel 1964 uscì “Per un pugno di dollari” la critica
cinematografica, dominata allora da una ottusa ideologia marxista, stroncò il
film di Sergio Leone, con annessi e connessi (tra cui la musica di Morricone).
Film inguardabile, disimpegnato, sciocco, e così via...
Io, che non mi sono mai (o quasi mai, almeno) lasciato
condizionare da giudizi preconcetti di qualunque genere, uscii dalla sala
convinto di aver assistito ad un evento eccezionale. Una musica “divina”, una
recitazione straordinaria, una trama avvincente, se pur ripresa in molte parti
da un film di Kurosawa.
Mi aveva colpito la novità assoluta del linguaggio
cinematografico, quel fascinoso mondo irreale ma così realistico e crudo, e
quell’accompagnamento musicale che non aveva precedenti: motivi cantati,
fischiati, parlati, suonati con la chitarra elettrica e con i più vari
strumenti (compreso lo scacciapensieri), e l’ineguagliabile motivo affidato
alla tromba, che faceva venire la pelle d’oca per l’emozione.
Oggi tutti riconoscono il valore inestimabile di quel film,
la sua importanza nella storia della cinematografia, oggi...
Allora, chi non aveva i paraocchi ideologici e le orecchie
foderate di prosciutto, e cioè i più, tributò un immediato e clamoroso successo al film di Sergio
Leone ed Ennio Morricone.
Già allora Morricone era da Oscar.
Per me, quella rimane la colonna sonora più bella, e quello
rimane il film più bello che abbia visto (e ne ho visti...).
Per onorare il giorno della memoria della Shoah del popolo
ebraico ho già citato il bellissimo film “Arrivederci ragazzi” di Louis Malle
(1987).
Il regista francese non fa che ricordare con estrema asciuttezza, ma con profonda commozione,
ciò che da ragazzo aveva visto con i suoi stessi occhi: l’arresto e la
deportazione di tre ragazzi ebrei e del superiore del collegio carmelitano di
Fontainebleau che li aveva accolti e nascosti con gli altri convittori francesi.
Del film ho già postato la scena finale dell’arresto dei tre
ragazzi e del sacerdote, P. Jean, che finirono poi uccisi nei campi di
sterminio nazisti. È certamente la scena più drammatica e al tempo stesso più
bella, se si può parlare di bellezza nell’orrore che racconta.
C’è però anche un altro momento del film in cui Malle riesce
a esprimere con mirabile efficacia la vergogna indicibile di quella
persecuzione, e lo fa mostrando la bravura del giovane ebreo Jean Bonnet nel
suonare il pianoforte, dopo la squallida prova di un demotivato alunno francese
(il protagonista Julien, che poi diverrà l’amico di Bonnet).
Il brano che la giovane insegnante di musica fa suonare a
Bonnet è il 2 Momento Musicale di Schubert, qualcosa di stupendo e di struggente, e che il regista sceglie come leitmotiv del film.
È proprio la bravura e la finezza del ragazzo ebreo, già in grado
di affrontare un brano così sublime, che fa apparire ancor più aberrante lo
sterminio di quel popolo.
In definitiva, Jean Bonnet che suona Schubert sotto gli
occhi ammirati della maestra è il simbolo della civiltà stessa, che nonostante
tutto, riuscirà a sconfiggere il male assoluto.
Ho cercato in lungo e in largo nel web, per molto tempo,
questa scena-cult. Alla fine sono riuscito a trovarla, nell’originale francese,
con sottotitoli inglesi.
"Germania sopra tutto", migliore di tutti, più brava di
tutti.
Sì, anche nelle furbate.
Ma c’è sempre qualcuno che è più furbo di te...
Non oso immaginare cosa avrebbero detto i "Deutschen" se a fare
la mega-truffa della Volkswagen in USA fosse stata un’azienda italiana. Ci avrebbero
coperti di insulti e di letame, e la Merkel avrebbe chiesto come minimo il bando di tutto
ciò che d’italiano si muove sulle strade, dalle Ferrari alle biciclette.
Ma noi siamo magnanimi. Ci limitiamo al geniale sarcasmo di Totò, del film "I due Marescialli" di Sergio Corbucci (1961).
E a proposito di F1. A parte la défaillance di Singapore, dopo
tutte queste vittorie della Mercedes, in luogo dei soliti ispettori si potrebbe
mandare quegli sconosciuti meccanici americani che hanno scoperto il marchingegno
truffaldino della VW, a dare un’occhiata anche alle vetture del fu sig. Benz?
Perché di furbate la Mercedes, in F1, ne ha fatte
diverse ormai.
Per ristorarci dal caldo micidiale di questo luglio che volge al termine, e per dimenticare le miserie dei tempi presenti, ascoltiamo uno degli strumenti più adatti a riposare mente ed orecchie: il clavicembalo.
Il suo suono garbato, mai eccessivo, sempre spassionato per costituzione, fa singolare contrasto con i toni accesi, esasperati, talora nauseanti della società attuale nei suoi principali esponenti.
Ne abbiamo già ampiamente parlato negli ultimi post. Et de hoc, satis.
Ora è il momento di rilassarsi un po', al suono del clavicembalo, e con l'aiuto di due mostri sacri della musica barocca: Domenico Scarlatti e Giorgio Federico Händel.
Assisteremo alla sfida (storica) tra i due coetanei (ambedue nati nel 1685, come Bach), che si svolse a Roma nel 1709 nel Palazzo del Card. Pietro Ottoboni che possedeva una bella serie di clavicembali (sedici!) e un organo da camera.
L'idea della pubblica sfida venne al principe Francesco Maria Ruspoli, ammiratore di Händel che in quel periodo soggiornava presso di lui.
Come riportano i cronisti, al clavicembalo piacque di più Scarlatti, per il suo tocco elegante e leggero, mentre all'organo vinse nettamente Händel , come riconobbe "sportivamente" lo stesso Scarlatti.
Nel film che narra la vita del genio anglo-tedesco, e che riportiamo, Händel afferma di essere stato lui il vincitore assoluto.
In realtà non fu così; come sicuramente non fu suonata nel certame la "Passacaglia in Sol minore" dello stesso Händel, composta successivamente nel 1720 (è l'ultimo movimento della Suite VII in Sol minore, HWV 432).
Ma il celebre brano si presta bene per ragioni sceniche al confronto tra i due; infatti ogni variazione (la passacaglia è un tema con variazioni) è ripetuta obbligatoriamente in ritornello. Così il raffronto è facile: ognuno dei due suona in successione lo stesso episodio.
Si può anche notare come nel film Scarlatti sembri più anziano del rivale. In realtà era un po' più giovane e non aveva ancora compiuto 24 anni.
Buon fine luglio e inizio di agosto!
La clip è tratta dal film inglese "God rot Tunbridge Wells!", del 1985, nel 300° anniversario della nascita di Händel. Il titolo ("Dio faccia marcire Tunbridge Wells") si riferisce a una frase che talvolta il musicista diceva negli ultimi suoi anni, per un'operazione alla vista andata male nella località di Tunbridge Wells (e nel film, per una orrenda esecuzione del "Messia" dai coristi e orchestrali di quella cittadina del Kent).
Questo caldo micidiale, che non dà tregua e allunga i suoi tentacoli soffocanti su chiunque metta il naso fuori di casa, mi fa venire in mente "Mezzogiorno di fuoco" (High Noon), il celebre film di Fred Zinnemann del 1952, uno dei capolavori
della storia del cinema.
Ci sentiamo un po’ come lo sceriffo Will Kane (Gary Cooper) che da solo,
abbandonato vilmente da tutti, ma non dalla sua giovane moglie (Grace Kelly), deve affrontare
una banda di fuorilegge, battendoli.
Lì il caldo è quello degli spari.
Il film si svolge in tempo reale, secondo i canoni classici
di unità di tempo, di luogo e di azione; circa un’ora e mezza di proiezione, tanto
per vederla da spettatori, quanto per viverla con i protagonisti. Memorabile in
particolare l’intensa interpretazione di Gary Cooper (premio Oscar), il primo
sceriffo western che al termine del film getta per terra la stella, con stupore e disapprovazione del pubblico americano.
Non meno scandalizzati gli antichi greci (per rimanere nel
mondo classico), quando Archiloco si vantò in una sua poesia di aver gettato
via lo scudo in battaglia, senza il quale non si poteva tornare a casa, vivi o
morti (“o con questo o su questo”).
Intanto noi, combattenti solitari sotto i dardi infuocati
dello stellone, cercheremo di salvare la pelle. Almeno dalle scottature.
A differenza del film, che si regge tutto su di una
drammatica attesa, la bella colonna sonora è una celebre canzone di Dimitri Tiomkin con testo di Ned Washington ("Do not forsake me, oh my darling", Non abbandonarmi, mia cara) che forse starebbe meglio in una vicenda meno "infuocata".
Ma rimane anch'essa un classico, specialmente cantata da Frankie Laine.
Nella soundtrack la voce è quella baritonale di Tex Ritter.
High Noon Do not forsake me, oh my darlin' On this our weddin' day Do not forsake me, oh my darlin' Wait, wait along I do not know what fate awaits me I only know I must be brave And I must face a man who hates me Or lie a coward, a craven coward Or lie a coward in my grave Oh, to be torn 'twixt love and duty S'posin' I lose my fair-haired beauty Look at that big hand move along Nearin' high noon He made a vow while in state prison Vowed it would be my life or his'n I'm not afraid of death but oh What will I do if you leave me? Do not forsake me, oh my darlin' You made that promise as a bride Do not forsake me, oh my darlin' Although you're grievin', I can't believin' Now that I need you by my side Wait along, wait along Wait along, wait along
Sono portato per temperamento e per convinzione a vedere
sempre un aspetto positivo in tutto ciò che accade nel mondo e nella vita.
Ma in questi ultimi anni si stanno manifestando segnali poco
incoraggianti (per usare una litote!), che lasciano sbigottiti, e che solo gli
sciocchi possono interpretare come progresso.
Non bastano le conquiste tecnologiche, l’ultimo Ipod della Apple o l’ultima App informatica per risollevare la situazione. Un mondo che sembra giocare con i palloncini colorati e non accorgersi che si tratta di bolle d’aria.
Fanatismo, terrorismo, persecuzioni, uccisioni, violenze di
ogni genere, disgregazione familiare e sociale, egoismo eretto a sistema,
ingiustizie di ogni tipo, disprezzo della vita, ivi compresa ora anche l’eutanasia
giovanile...
Dall’utopia di un progresso inarrestabile si sta passando
alla distopia di un un mondo in declino, e per molti aspetti alla deriva. La
Grecia in questo momento ne è una drammatica prova.
Vengono in mente perciò le drammatiche parole dell’androide Roy
Batty (Rutger Hauer) al termine del film "Blade Runner" (1982) di Ridley Scott:
“Ho viste cose che voi
umani non potreste immaginarvi: navi da combattimento in fiamme al largo dei
bastioni diOrione e ho visto i raggi B [raggi C]
balenare nel buio vicino alle porte di Tannhäuser. E tutti quei momenti
andranno perduti nel tempo, come lacrime nella pioggia.
È tempo di morire.”
L’androide salva però la vita di colui che gli dava la caccia (nel film
il blade runner Rick Deckard/Harrison Ford).
Nel sottofondo la soundtrack di Vangelis.
Un augurio per la salvezza della Grecia.
Il breve e memorabile monologo, oltre che recitato, è stato in parte scritto dall’attore stesso Rutger Hauer, che ha legato indissolubilmente il suo volto
a questo film, e in particolare a questa scena cult.
Roy Batty: "Quite an experience to live in fear, isn't it? That's what it is to be a slave." (Bella esperienza vivere nella paura, eh? Questo è ciò che vuol dire essere uno schiavo).
“I've seen things you people wouldn't believe,
attack ships on fire off the shoulder of Orion, I watched the c-beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gates. All those moments will be lost in time, like tears in rain. Time to die.”
Stasera alla TV ho rivisto per l’ennesima volta il film “Casablanca”
(1942) di Michael Curtiz, con Humphrey Bogart e Ingrid Bergman protagonisti.
Inutile fare dei commenti su questo capolavoro assoluto. Dirò solo che quando, nel fare zapping tra i
vari canali televisivi, mi ci imbatto, depongo il telecomando, distendo comodamente
le gambe sul tavolino e sono “costretto” a vedere tutta la pellicola fino alla battuta
finale di Bogart (Rick):
“Louis, penso che questo sia l’inizio di una bella
amicizia!” (Louis, I think
this is the beginning of a beautiful friendship).
Non parlerò neppure della fantastica colonna sonora, con la canzone As Time Goes By (Mentre il tempo passa), e quella frase “Suonala
ancora, Sam” (Play it again, Sam) pronunciata da una leggendaria Ingrid Bergman (Ilsa), frase resa celebre anche dal titolo di una commedia di Woody
Allen e dal film omonimo con Allen protagonista.
Mi soffermerò
invece sulla scena di un altro duello musicale e virtuale, questa volta canoro,
che avviene nel locale di Rick (tutto il film in pratica è in questo interno),
tra militari tedeschi e avventori francesi e filofrancesi. Siamo nel pieno
della II Guerra mondiale. La guerra si combatte anche con i canti patriottici.
Ai nazisti,
padroni della Francia, che iniziano a cantare “Die Wacht am Rhein” (La Guardia al Reno) rispondono con
uno scatto di orgoglio nazionalistico i
loro oppositori con la Marsigliese.
Una scena madre. Di
quelle che hanno fatto la storia del cinema.
Google celebra con un bel doodle il 360° anniversario della
nascita di Bartolomeo Cristofori, il
geniale inventore del pianoforte, o per essere più precisi, del “gravicembalo
con il piano e il forte”.
Iniziò così alla fine del 1600 a Firenze alla corte dei
Medici l’avventura di quello che diverrà il re degli strumenti (violino
permettendo), con la sua straordinaria carica espressiva.
Senza pianoforte non sarebbe immaginabile la musica di
Mozart, Beethoven, Chopin, Schubert, Schumann, Liszt e via dicendo.
Lo strumento ha dato occasione per celebri duelli virtuosistici:
Clementi-Mozart, Beethoven-Steibelt, Liszt-Thalberg...
Ma anche a un indimenticabile duello “virtuale” tra Jelly
Roll Morton e Lemon Novecento nel film di Giuseppe Tornatore “La leggenda del
pianista sull’oceano” (1998).
Jelly Roll Morton è stato realmente un famoso pianista (sedicente
inventore del jazz), mentre Danny Boodman T.D. Lemon Novecento è frutto della
fantasia di Alessandro Baricco, a cui si è ispirato Tornatore per il suo film.
La sfida tra i due pianisti è immaginata nel transatlantico Virginian, e i brani che Jelly Roll
Morton esegue sono sue reali e famose composizioni: Big Fat Ham, The Crave, Fingerbreaker.
Il brano Enduring Movement invece, con cui “Novecento”
si aggiudica il match, è di uno straordinario Ennio Morricone in versione
virtuosistica, che ha preso spunto dal Volo
del Calabrone di Rimskij-Korsakov.
Quelle rapidissime mani che nel film si
moltiplicano e scorrono sulla tastiera per suonare l’impossibile brano di Morricone sono
della pianista Gilda Buttà, di Patti (1959).
“Romeo, Romeo. Perché tu
sei Romeo? Rinnega tuo padre e rifiuta il tuo nome. O se tu non vuoi, legati con giuramento al mio amore. E io non sarò più una Capuleti...
Quella che noi
chiamiamo rosa, anche con un altro nome avrebbe lo stesso odore soave".
Grandissimo Shakespeare!
Ma non meno grande il tema musicale con cui Nino Rota ha
saputo accompagnare queste indimenticabili frasi, nel film “Romeo e Giulietta”
di Franco Zeffirelli del 1968.
Nel giorno di S. Valentino ripresentiamo il bellissimo tema
musicale nella versione discografica di un altro grande musicista, Henry
Mancini (1969), che ottenne un successo strepitoso.
Per non dimenticare l’Olocausto del popolo ebraico nei campi
di sterminio nazisti, che vide l’inizio della fine 70 anni fa, con la
liberazione dei prigionieri di Auschwitz da parte dell’Armata Rossa, propongo
all’attenzione un canto del musicista ebreo francese Elie
Botbol.
Il testo è costituito dal versetto 4 del Salmo 23 (22), "Il Signore è il mio pastore". Si
tratta quindi di una notissima preghiera biblica.
"Se dovessi camminare in una valle oscura, non temerei alcun male,
perché tu sei con me; il tuo bastone e il tuovincastro mi danno sicurezza".
Il canto ("Gam Gam Gam") è scritto per un coro di bambini; per questo ha l’andamento
tipico delle filastrocche.
Ma è proprio questo il suo fascino, e la sua drammatica
bellezza.
L’innumerevole strage di quegli innocenti è nell'orrore della Shoah il crimine più aberrante.
Il canto fa parte della colonna sonora del bel film “Jona che visse nella balena” del
regista Roberto Faenza (1993), tratto dall'autobiografico libro “Anni d'infanzia" (1978) dell’olandese Jona Oberski, che
racconta la sua tragica vicenda di bambino nel campo di concentramento di Bergen-Belsen,
dove perse entrambi i genitori (e dove morì Anna Frank).
L’arrangiamento musicale del brano è di Ennio Morricone, che
ha curato la colonna sonora del film. Ancora una volta, in modo perfetto.
Ci sono alcune canzoni napoletane che sono veri e propri capolavori
d’arte. Non per niente sono conosciute in tutto il mondo e sono state cantate
dalle più celebri voci della lirica, da Caruso a Mario Del Monaco, da Tito
Schipa a Beniamino Gigli, da Franco Corelli a Giuseppe Di Stefano, da Carlo
Bergonzi a Luciano Pavarotti, per limitarci ad alcuni massimi tenori italiani.
Non starò qui a dissertare sul perché il territorio di
Napoli sia stato così fertile di capolavori canori. Voglio solo far presente
che già al tempo di Scarlatti e Pergolesi nella capitale borbonica erano in
piena attività ben quattro conservatori musicali, senza parlare dei numerosi
teatri, oltre al San Carlo, il più antico teatro d’opera del mondo.
Una civiltà musicale che affonda le sue radici nei secoli
passati e che ha trovato nell’anema e core del popolo partenopeo la sua
caratteristica principale.
In effetti, non possiamo ascoltare ad esempio Marechiare, O
sole mio, Torna a Surriento, Dicitencello vuje, Anema e core, Reginella (“T’aggio
voluto bene”), senza emozionarci. Così come, più vicino a noi, le geniali canzoni
di Renato Carosone.
Voglio perciò ascoltare uno dei brani più affascinanti del
repertorio napoletano: "Tu ca nun chiagne" (Tu che non piangi). È stato composto
dall’autore di Torna a Surriento, Dicitencello vuje, Non ti scordar di me, e
cioè Ernesto De Curtis (1875-1937), un vero maestro compositore. Era
pronipote di Saverio Mercadante, e si era diplomato in pianoforte nel celebre
Conservatorio napoletano di S. Pietro a Majella, quello stesso dove avevano
insegnato Paisiello e Donizetti, e dove avevano studiato Bellini, Mercadante, Giordano,
Leoncavallo, Cilea, Denza (“Funiculì funiculà”), Tosti (“Marechiare”) ed altri
nomi eccellenti fino a Carosone, Salvatore Accardo e Riccardo Muti.
La canzone è stata composta nel 1915, nel periodo in cui l’Italia
entrò in guerra, nella Grande Guerra. Le parole, del valente poeta Libero Bovio, parlano invece di un'altra “montagna” (il Vesuvio), di luna bianca, di amore. Un
amore non corrisposto, che lascia indifferente l’amata, e fa piangere l’innamorato.
Una guerra di amore, che non fa vittime, ma che strazia
ugualmente il cuore.
Ho preferito postare l’esecuzione di Mario Merola, anziché quella
di un grande tenore. E ho preferito ascoltarla in una specie di “sceneggiata
napoletana” (in realtà è una scena del film “Giuramento”, del 1982), e in una
versione in bianco e nero molto imperfetta (ce ne sono di migliori nel web), ma
a mio parere molto efficace.
E poi c’è sovrimpressa la lirica, in lingua italiana, inglese e
napoletana. What else?
Dico la verità. Non posso ascoltare questa canzone senza
commuovermi un po’.
L’inizio è davvero “leopardiano”, con la luna, la montagna
e la notte. E un amore infelice.
Non posso lasciar passare la solennità dell'Epifania solo con il riferimento alla fiabesca e simpatica Befana.
L'Epifania è e rimane la manifestazione di Gesù come Re dei re e Signore dei signori, Sovrano dell'universo, di fronte al quale si rende omaggio.
Per questo "omnes de Saba venient", come aveva profetizzato Isaia (60, 6), tutti verranno da Saba (Africa) e da ogni altro continente per adorare il Signore; e la venuta dei Magi compie la profezia (Matteo, 2, 2).
Il passo di Isaia fu inserito come graduale nella liturgia latina dell'Epifania. Uno dei più bei rivestimenti musicali è certamente quello di Joseph Leopold Eybler (1765-1846), amico stimato e apprezzato di Mozart.
Questa composizione del 1807 ci dà la misura del valore di Eybler. Non è un caso che il brano, per Solo, Coro (SCTB) e Orchestra, venga eseguito a Vienna ogni anno per l'Epifania.
Lo presentiamo nell'esecuzione dei Wiener Sängerknaben (Coro dei ragazzi di Vienna), dal film "Almost Angels" (in Italia, Angeli o quasi) del 1962.
Davvero quasi angeliche, le voci dei ragazzi!
Buona Epifania e Buon Anno!
Omnes de Saba venient
Omnes de Saba venient,
aurum et thus deferentes,
et laudem Domino annuntiantes.
Surge et illuminare Ierusalem,
quia gloria Domini
super te orta est.
Alleluia.
Vidimus stellam eius in Oriente
et venimus cum muneribus
adorare Dominum.
Tutti verranno da Saba,
portando oro e incenso
e annunziando la lode al Signore.
Sorgi e illuminati Gerusalemme,
poiché la gloria del Signore
è sorta sopra di te.
Alleluia.
Abbiamo visto la sua stella in Oriente
e siamo venuti con doni
ad adorare il Signore.
Luigi Magni, di cui oggi si sono celebrati i funerali a Roma nella Chiesa degli Artisti, è
stato un grande regista, cantore ironico della città papalina.
La trilogia “Nell’anno del Signore”, “In nome del
Papa Re”, “In nome del popolo sovrano” rimane nella cinematografia
come un grande affresco del periodo risorgimentale.
Il linguaggio romanesco dà un sapore popolare e tocchi umoristici ad avvenimenti spesso drammatici e a scene che sono rimaste dei veri “cult”
della filmografia, come nella pellicola “In nome del Papa Re” il discorso di Mons. Colombo da Priverno (Nino
Manfredi) nel tribunale ecclesiastico che condannò alla ghigliottina i due
patrioti Monti e Tognetti.
Ugualmente indimenticabile, e quanto mai attuale, il “Buonanotte,
popolo” del rivoluzionario carbonaro Leonida Montanari (Robert Hossein), più rattristato
dell’indifferenza popolare che della mannaia di Mastro Titta...
Non starò qui a discutere se l’opera del grande regista sia venata
di quella retorica risorgimentalista da cui oggi la storiografia più oggettiva prende sempre
più le distanze. L’unità d’Italia fatta con le baionette, le leggi speciali
e la “piemontesizzazione” non è stata forse la migliore unità possibile.
Benché la fama di Luigi Magni sia legata al
periodo della Roma risorgimentale e benché il regista non mostri grande
simpatia per la Chiesa, il suo
capolavoro rimane tuttavia, a mio modesto avviso, il film “State buoni, se potete” (1983), che
descrive l’opera di S. Filippo Neri, fondatore dell’Oratorio nella Roma
del XVI secolo.
Un capolavoro assoluto, con la perfetta interpretazione di
Johnny Dorelli e magnifica colonna sonora di Angelo Branduardi (il bellissimo “Tema di
Leonetta” è però una cinquecentesca “siciliana”, rielaborata da Ottorino
Respighi).
Proprio il “mangiapreti” Luigi Magni ha saputo cogliere il vero
spirito di “Pippo buono” (Filippo Neri), il grande educatore della gioventù, contro
l’opera del “maligno”, che sa fare le pentole ma non i coperchi.
Un film capolavoro, che rivela l’animo profondamente
religioso del grande regista romano.
“Bononia docet”, dicevano una volta: “Bologna insegna”.
Il detto latino si riferiva alla celebre università, la
prima nel mondo, fondata nel sec. XI, sull’esempio della quale sono
nate tutte le altre.
Celebre in particolare la facoltà di giurisprudenza, che ha avuto
tra i suoi illustri docenti il grande Irnerio, “fiaccola del diritto”.
Oggi i tempi sono un po’ cambiati. Non siamo più nel "buio Medioevo".
Siamo nell’epoca della luce elettrica: “Post tenebras, lux”: dopo le tenebre, la luce.
E Bologna continua a insegnare. Specialmente, a quanto
pare, il suo consiglio regionale.
Può insegnare ad esempio come ottenere rimborsi spese a norma
di diritto...
Siamo venuti a sapere dai giornali che i consiglieri di quell'esimio parlamento regionale si sono fatti rimborsare regalie varie, come gioielli,
cibarie, salami prosciutti mortadelle (siamo a Bologna, no?), frutta e perfino i 50
centesimi dell’uso del gabinetto pubblico.
Insomma, anche la merda.
Nel nome del popolo italiano, ovviamente.
Nel video un' indimenticabile scena del film "Nell'Anno del Signore" (1969) di Luigi Magni, che proprio oggi ci ha lasciati.
Voglio anch'io dare il mio piccolo contributo alla titanica impresa di "rimettere in piedi" la Costa Concordia, naufragata all'Isola del Giglio la tarda serata del 13 gennaio dell'anno scorso.
Dopo l'immane tragedia, che è costata la vita a 32 persone, compresi i due dispersi, abbiamo assistito oggi all'inizio delle operazioni di raddrizzamento della gigantesca nave da crociera.
Si tratta di un'opera colossale, la prima del genere nella storia della marina.
Le operazioni si stanno svolgendo con una lentezza che per noi sembra esasperante. Ma se tutto va bene, come ognuno si augura, domattina vedremo la Costa Concordia di nuovo galleggiare.
E allora: Sursum Corda! In alto i cuori! È una frase liturgica, un invito alla preghiera.
Ma è anche il nostro augurio: "In alto, Concordia!"
Con uno dei grandi brani musicali del film "Master and Commander", e cioè l' Adagio del Concerto Grosso n. 8 di Arcangelo Corelli.
Nel film il Master and Commander è il coraggioso e tenace Jack Aubrey (Russel Crowe).
Nella realtà abbiamo visto tutt'altro comandante, purtroppo.
Stasera ho avuto modo di rivedere un vecchio film di John Sturges, con Kirk Douglas: "Last train from Gun Hill" (in Italia, Il giorno della vendetta), del 1959. Non è un capolavoro (Sturges era stato più convincente in Sfida all'OK Corral); ma vedere all'opera un attore come Kirk Douglas è sempre una grande soddisfazione.
A parte la recitazione del grandissimo attore, il protagonista del film è - come indica anche il titolo originario - ancora una volta il treno. Quell'ultimo treno delle 9 di sera sul quale lo sceriffo (Kirk Douglas) devo caricare un giovane assassino, figlio del padrone della città, che è tutta o quasi dalla parte del boss.
Mi è tornato alla mente che il treno è stato spesso grande protagonista nella cinematografia, fin dalle origini nel 1896 con quel memorabile "Arrivo del treno alla stazione de La Ciotat" dei Fratelli Lumière, proiettato in una sala paragina. All'arrivo del treno in primo piano, il pubblico parigino fuggì di sala terrorizzato.
Quelle lunghe attese che caratterizzano il film di Sturges fanno venire in mente la spasmodica attesa del treno di mezzogiorno che porta in città un gangster assetato di vendetta, in "Mezzogiorno di fuoco" (1952); e soprattutto il treno delle 3 e dieci, in "Three Ten to Yuma" (Quel treno per Yuma), del 1957, a cui la pellicola del 1959 si è chiaramente ispirata.
Il treno mi ha fatto venire in mente la parola "trenodìa", che però con il treno non c'entra nulla. Trenodia è un termine di origine greca che significa lamento, compianto. Forse si può osservare umoristicamente che i nostri treni spesso sono un lamento, un vero strazio. Ma l'etimologia dei due termini rimane pur sempre diversa...
Detto questo, si può gustare la "Trenodia" cantata da MIna. Fu il primo brano che la Tigre di Cremona incise con la sua propria casa discografica, la PDU, nel dicembre 1967. È un adattamento del celebre Concerto de Aranjuez, di Joaquìn Rodrigo (1939), con parole di Giorgio Calabrese.
Il disco fu subito fatto ritirare da Rodrigo per violazione dei diritti d'autore, per cui non compare nella discografia di MIna (se non come rarità) , e pochi lo conoscono. Molto noto invece il brano di Massimo Ranieri, "Amore mio", sempre basato sulle note di Aranjuez, che poté cantare a Canzonissima nel 1970 senza alcuna contestazione, con diverso arrangiamento.
Appassionata la canzone di Ranieri; ma molto più convincente la versione di MIna, una vera "trenodia".
Buona settimana, con i treni che non fanno attendere e perciò senza trenodie!
Mi piace il film "Gladiator". Non credo di essere l'unico ad amare questo film, vincitore di 5 Premi Oscar.
Mi piace il protagonista, Massimo Decimo Meridio, l' "ispanico", e la superba interpretazione di Russel Crowe.
Mi piace la vicenda di quest'uomo forte e valoroso, che sfida e sconfigge il potere tirannico di Commodo e dei suoi accoliti.
Mi piace questo film, perché mi piacciono le persone che lottano fino all'ultimo, come l'Ispanico, e non hanno paura di affrontare la morte per una causa giusta.
Chissà perché in questi giorni ho pensato al gladiatore Massimo, l'Ispanico, e ovviamente alla bellissima colonna sonora (composta da Hans Zimmer e Lisa Gerrard), che accompagna le sue gesta.
